Commentaire : UCLA vend un Picasso. Pourquoi c’est une bonne chose

La saison des enchères d’automne est en cours à New York et, comme prévu, plusieurs musées d’art ont envoyé des choses importantes au bloc.

Au moins un envoi surprenant, un merveilleux tableau de Picasso de 1930 invisible en public depuis six décennies, est un bel exemple de gestion prudente de la collection qui devrait renforcer considérablement la mission éducative de son propriétaire.

Malheureusement, à l’autre extrémité du spectre, un autre musée offre un exemple lamentable d’exploitation de sa collection d’art en tant que banque virtuelle. Cette décision est si flagrante qu’elle menace de nuire à l’ensemble du domaine muséal.

La belle surprise vient des Régents de l’Université de Californie, qui devraient annoncer aujourd’hui qu’ils aliènent la tête de femme de Picasso, « Profil », pour créer un fonds d’acquisition de dessins, estampes, photographies et autres œuvres de l’art sur papier au UCLA Hammer Museum et son admiré Centre Grunwald pour les arts graphiques. Le tableau, donné à l’UCLA en 1959 mais en attente de stockage depuis une exposition de 1961 en l’honneur du 80e anniversaire de l’artiste, devrait rapporter entre 6 et 8 millions de dollars lors de la prochaine vente du 11 novembre chez Christie’s.

Le triste exemple provient du Metropolitan Museum of Art de New York. Déjà vendues, 168 photographies de l’époque de la guerre civile de Mathew Brady, Alexander Gardner, Timothy H. O’Sullivan, George N. Barnard et d’autres, ainsi que des photographies modernes d’Anne Brigman, Robert Frank, Eadweard Muybridge et plus encore. En novembre, d’importants graphismes de Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Frank Stella et d’autres artistes se joindront à eux.

Toutes ces photographies et gravures sont des doublons d’œuvres de la collection du Met, selon le musée. Cela rend la décision du conservateur de les vanner appropriée. Un musée spécialisé dans les estampes ou les photographies peut souhaiter conserver des doublons, car l’analyse de légers changements ou changements dans la production d’impressions peut être révélatrice pour l’érudition. Mais le Met est un musée généraliste, encyclopédique, donc ses priorités sont ailleurs.

Là où le problème se pose, c’est dans l’utilisation prévue des fonds issus des ventes. (Les images de la guerre civile, vendues le 7 octobre, ont rapporté environ un demi-million de dollars.) Plutôt que de séquestrer l’argent pour de futures acquisitions, ce qui est courant, le Met a déclaré à Christie’s qu’il serait dépensé pour les opérations quotidiennes – principalement les salaires, semble-t-il – « en considération des pertes de revenus dues à la pandémie en cours. »

C’est épouvantable.

D’une part, l’affirmation d’un besoin financier désespéré est au mieux fallacieuse. La classe des milliardaires américains – qui comprend le Met, compte tenu de sa dotation prépandémique d’environ 3,6 milliards de dollars – s’en est très bien sorti au cours des 18 derniers mois. L’Institute for Policy Studies a rapporté en août que les 708 milliardaires privés américains se sont enrichis de 1,8 billion de dollars pendant la pandémie.

Et le Met ? Lorsque COVID-19 a fermé des musées en mars 2020, le Met a prévu un manque à gagner probable de 150 millions de dollars. Ce chiffre considérable a été largement répété dans la presse depuis. Cependant, le pic massif de 33% des dotations du Met depuis lors, qui, selon un porte-parole du musée, est désormais évalué à 4,4 milliards de dollars n’a pas été signalé auparavant.

C’est ce que j’ai appelé le dividende pandémique – celui-ci totalisant 800 millions de dollars. Le musée crie au manque tout en négligeant de mentionner les aubaines.

Les budgets et les dotations institutionnels, à la fois restreints et non restreints, peuvent être compliqués. Le bureau du procureur général de New York suggère un plafond de 7 % sur les revenus qu’un musée pourrait tirer de sa dotation. Alors que la pandémie a explosé, le Met a augmenté son tirage annuel à 5% contre 4,9%. S’il devait temporairement atteindre le plafond de l’AG sur sa nouvelle richesse, ce déficit de crise intimidant s’évaporerait en grande partie.

Ce que fait le Met n’est pas non plus une cession traditionnelle, bien qu’elle soit généralement déformée dans les médias en tant que telle. Ce que le Met fait, c’est monétiser sa collection.

La cession est le retrait d’une collection de musée – souvent mais pas toujours suivi d’une vente – d’œuvres d’art endommagées, inférieures, en double ou en dehors de la mission du musée. L’objectif est d’affiner et d’élever la collection permanente ; ainsi, s’il est vendu, le revenu est réservé pour de futurs achats d’art. C’est une pratique exemplaire de longue date dans la profession, et cela se produit tout le temps.

Monétiser, en revanche, consiste à vendre des œuvres d’art de collection pour collecter des fonds afin de payer les factures d’exploitation ou les dépenses en capital, comme le ferait n’importe quelle galerie commerciale ou autre entreprise à but lucratif. Pour une institution caritative exonérée d’impôt comme un musée d’art, c’est la pire pratique.

La clameur pour la monétisation augmente depuis des années, principalement dans les musées d’art moderne et contemporain, où le marché est en plein essor et fait les gros titres. Ils sont encouragés par quelques avocats d’art ignorants et des universitaires errants. Maintenant, le puissant Met a ajouté au refrain nocif.

Comment sommes-nous arrivés à ce point bas ? La panique financière a éclaté en avril 2020, à la suite d’un krach boursier provoqué par une pandémie. Cela a causé l’Assn. des directeurs de musées d’art, le principal groupe de l’industrie des musées d’art, pour ouvrir une allocation de deux ans aux membres pour s’engager dans la pratique. Avant cela, la monétisation avait toujours été interdite.

Les marchés, cependant, se sont rapidement redressés – puis ont régulièrement grimpé au cours de la dernière année et demie. Même si des dividendes pandémiques inattendus se sont accumulés dans les bilans des musées d’un océan à l’autre, l’erreur secouée de l’AAMD n’a pas été corrigée. Musées opportunistes à Baltimore, Brooklyn, Syracuse, San Diego, Palm Springs et ailleurs ont décidé de ne pas gâcher une bonne crise. Ils ont encaissé l’art.

Et maintenant, le Met peut mettre son influence inégalée derrière les espoirs d’un changement plus permanent.

Le musée a rapporté un revenu moyen de cession d’art ces dernières années à environ 13 millions de dollars par an. Les salaires pour les soins de collecte directe s’élèvent à environ 15 millions de dollars, selon le directeur Max Hollein. Les revenus des ventes pourraient couvrir à peu près ces dépenses d’exploitation – si seulement la monétisation n’était pas interdite.

En tant que musée phare des États-Unis, la monétisation du Met met en péril le reste de la flotte. Chaque musée du pays est désormais confronté à la sombre possibilité d’un administrateur exigeant de son directeur : si le Met peut le faire, pourquoi pas nous ?

Ironiquement, les musées d’art universitaires comme le Hammer sont parmi les plus vulnérables. Beaucoup conservent de précieuses collections pour le compte d’écoles dont les administrations pourraient soudainement jeter un œil sur une source de revenus, à la grande horreur de leurs directeurs de musée. Le Met vient de leur compliquer la vie.

Le Hammer Museum ouvrira l’année prochaine un nouveau centre Grunwald pour les arts graphiques.

(Allen J. Schaben / Los Angeles Times)

C’est l’une des raisons pour lesquelles l’UCLA est un point lumineux spécial. Au début de l’année prochaine, le Hammer dévoilera une nouvelle installation d’étude et de stockage pour le Grunwald Center, avec une toute première galerie d’exposition dédiée aux œuvres sur papier. Le revenu de la peinture cédée est une aubaine inattendue.

« Profil » est ce que l’on appelle la « peinture sur os » de Picasso, une abstraction rare à la fois cubiste et surréaliste. Les formes animées et imbriquées de virgules de la tête sourient et froncent les sourcils à la fois, les courbes sensuelles de la silhouette sont enveloppées de sombres teintes de brun et de blanc marbré contre un plan de gris élégant mais austère.

La veille de sa peinture, Picasso a réalisé une version plus lâche et légèrement plus rugueuse avec les couleurs inversées – la tête grandeur nature en gris et blanc et le fond marron. Peut-être une étude pour l’image légèrement plus grande de l’UCLA, qui mesure 26 x 20 pouces, c’est un prix dans la collection du Cincinnati Art Museum.

Le sujet précis est inconnu. Mais « Profil » pourrait bien être une sorte de portrait deux en un, reflétant les bouleversements d’une période instable dans la liaison secrète de l’artiste d’âge moyen avec sa maîtresse de 20 ans, Marie-Thérèse Walter, lors de son mariage combatif. à la ballerine russe Olga Khokhlova.

Le Picasso ne relève pas de la mission de collection du Hammer, qui se concentre sur l’art réalisé après la Seconde Guerre mondiale. Ce n’est pas non plus une œuvre sur papier, que collectionne le Grunwald, ni une sculpture, comme celles du Franklin D. Murphy Sculpture Garden de l’UCLA. La cession a du sens. Les collections du musée s’enrichiront, le public en profitera.

UCLA a obtenu la bénédiction des héritiers du donateur Picasso, selon la directrice de Hammer Ann Philbin et la directrice de Grunwald Cynthia Burlingham. La peinture était un cadeau de 1959 de l’éminent collectionneur Stanley Newbold Barbee, peu de temps avant qu’il ne quitte LA pour Hawaï.

Avec ses frères, Barbee s’était enrichi sur la franchise sud de la Californie pour Coca-Cola. Un plaisancier, il a engagé l’architecte Robert V. Derrah en 1936 pour concevoir l’usine d’embouteillage Art Déco désormais emblématique de Coke au centre-ville sur South Central Avenue. Le design Pop, un pastiche Streamline Moderne d’un navire de croisière massif avec des hublots et un pont de capitaine, a transformé le motif classique d’un navire dans une bouteille à l’envers, au lieu de mettre des bouteilles dans un navire.

D’autres belles peintures que Barbee possédait autrefois se sont retrouvées à la National Gallery of Art (un paysage marin d’Eugène Boudin) et, oui, au Met (un paysage urbain de Camille Pissarro).

Dans un monde idéal, vendre des œuvres d’art de musée ne se produirait pratiquement pas. Une fois qu’un objet quittait le marché privé et entrait dans une collection publique, il y restait.

Et si ça ne rentrait plus ? Un simple transfert du Picasso non désiré dans un autre musée pertinent et voisin – le Los Angeles County Museum of Art, par exemple, qui en compte 17 autres, dont un de la même année – ajouterait plus de profondeur et de contexte nuancé à la représentation publique d’un artiste majeur. . Le groupe de 168 photographies de la guerre de Sécession apporterait une contribution exceptionnelle à, disons, un musée dans un collège de New York avec un solide programme d’histoire américaine ou de photographie documentaire.

Nous ne vivons pas dans un monde idéal, bien sûr, mais de telles ventes font perdre au public des biens culturels exceptionnels. Ni le LACMA ni un musée universitaire n’ont les moyens de débourser de l’argent pour acheter ces œuvres, qui disparaissent inévitablement entre des mains privées.

Séquestrer les revenus de la cession pour de futurs achats d’art est la deuxième meilleure chose, ce qui est l’une des raisons pour lesquelles l’indemnisation est une norme de musée établie de longue date. Le plan réfléchi de l’UCLA visant à retirer le Picasso au profit de futures acquisitions est exemplaire, tandis que la monétisation du Met est dangereusement grossière.

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