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Jazz spirituel: musique céleste sur un plan supérieur

Pour les non-initiés, le jazz spirituel, AKA astral jazz, peut faire sourciller même les amateurs de jazz autoproclamés. Avec des pochettes d’albums portant une iconographie égyptienne ancienne et des scènes planétaires, il semblait destiné à sa propre section cordée au magasin de disques.

Situé quelque part sur le spectre entre le jazz d’avant-garde et le free jazz, le jazz astral a représenté l’une des périodes les plus expérimentales de l’histoire du jazz. Émergeant du bouleversement chaotique des années 60, le jazz spirituel a continué à repousser les limites de la forme, incorporant une nouvelle instrumentation, des influences orientales et se plongeant dans un expressionnisme plus abstrait.

De John Coltrane ‘s L’amour suprême à l’avènement d’Impulse! records et ses disciples musicaux qui ont porté le flambeau créatif après son décès, nous examinons la place qu’occupe le jazz spirituel dans le monde du jazz et de la musique d’avant-garde en général et les marqueurs musicaux qui ont élargi les cœurs et les esprits tout en le faisant.

Alors que le milieu des années 60 a déclenché un changement sismique dans la culture, le jazz connaissait également de grands bouleversements et était entraîné dans des directions différentes. Vous avez eu le mouvement free jazz dirigé par des artistes comme Ornette Coleman, tandis que d’autres se sont tournés vers les rythmes du rock and roll pour trouver l’inspiration qui a conduit au jazz fusion et (parmi de nombreux autres jalons) Miles Davis‘album pionnier Bitches Brew.

Au milieu du nouveau cadre musical chaotique, il y avait un réveil spirituel sous-jacent s’appuyant sur un ensemble diversifié de croyances et d’influences, de la Nation de l’Islam, du mysticisme oriental, de la philosophie zen à l’Égytoplogie et au bouddhisme.

L’amour suprême de Coltrane était une représentation de sa propre quête spirituelle, alors qu’il explorait le mysticisme, l’hindouisme, le soufisme, la Kabbale, l’histoire africaine et les philosophies de Platon et d’Aristote. Mais comme l’explique la saxophoniste alto Marion Brown dans le livre The House That Trane Built: The Story of Impulse Records: «Je pense que vous trouverez que la spiritualité de la musique des années soixante n’était pas quelque chose d’exotique. Cela sortait directement de l’église. Je sais qu’il y avait toute une tradition de saxophones dans l’église et je ne sais pas si Albert [Ayler] avait fait partie de cela, mais ce qu’il faisait était certainement lié à cela.

Sorti sur Impulse! records en février 1965, l’exploration musicale en quatre parties de Coltrane a mis à nu tous les démons avec lesquels il avait déjà lutté et les a purgés par la chanson. Il a continué à tester les limites du jazz traditionnel et a incorporé des éléments plus spirituels sur des albums comme OM (1967), Meditations (1966) et Ascension (1966). Coltrane était le prophète et l’impulsion! était sa chaire. «Impulse était là au bon endroit, au bon moment», a déclaré le producteur de jazz vétéran Ed Michel dans The House That Trane Built. «Nous avons bénéficié d’une profonde respiration culturelle.»

En 1968, les Beatles avaient fait leur voyage en Inde et bientôt le reste de la culture devenait branché aux philosophies orientales comme la méditation transcendantale et la conscience afrocentrique. Avant sa mort prématurée le 17 juillet 1967, Trane a donné sa bénédiction à la prochaine génération de joueurs, dont Marion Brown, Archie Shepp, John Tchicai, Dewey Johnson, Pharoah Sanders et Albert Ayler. Leur dévotion spirituelle était parfois prise au sens littéral, comme Ayler l’a dit un jour: «Trane était le Père, Pharaon était le Fils, je suis le Saint-Esprit.

La mort de Coltrane a laissé un vide spirituel et créatif qui a ensuite été occupé par sa femme Alice Coltrane et le saxophoniste Pharoah Sanders – tous deux membres de ses groupes ultérieurs. Ils ont repris là où Coltrane s’était arrêté, mariant des mélodies à des improvisations riches en ambiances et introduisant un nouveau vocabulaire musical à travers des instruments de percussion africains et indiens, des harpes, des carillons et des incantations vocales, qui devinrent connus sous le nom de jazz cosmique ou spirituel.

Sanders avait joué avec tout le monde de Sun Ra, Don Cherry et joué sur la plupart des albums exploratoires ultérieurs de Coltrane. Bien qu’il n’ait jamais tourné le dos au free-jazz plus abrasif de ses jours avec Coltrane, il a canalisé l’énergie brute de la musique dans quelque chose d’encore plus divin et combinait des éléments de la musique folk arabe et indienne, de l’afro-cubain, du gospel du sud et du R&B. dans une série d’albums solos sur une impulsion! du Tauhid de 1967 au Karma de 1969, 1971 Thembi et à travers Love in Us All de 1974 – avec 11 au total sur l’étiquette.

Cinq ans après la sortie de A Love Supreme, Pharoah a pris le son universaliste de Coltrane et l’a amené à son apogée logique avec Karma et son célèbre morceau, «The Creator Has A Master Plan». Avec plus de 32 minutes, il a occupé toute la première face de la version originale et a même réussi à diffuser la radio FM grand public à l’époque. Avec sa ligne de basse cycliste, ses invocations répétées de paix et de bonheur et ses explorations de free jazz, Sanders a non seulement créé le modèle du jazz astral, mais aussi ce qui deviendra plus tard la «musique du monde».

Comme Sanders, le clarinettiste Tony Scott était un autre des premiers partisans de la musique du monde et son disque, Music for Zen Meditation en 1964, est considéré comme le premier disque New Age. Scott avait un pedigree de jazz sérieux, jouant avec tout le monde de Sarah Vaughan, Miles Davis et Benny Green et parcourant différents styles avant de les supprimer tous.

En 1960, il décampe au Japon, rencontrant le célèbre joueur de koto Shinichi Yuize et le joueur de flûte shakuhachi Hozan Yamamoto. Il a continué à exploiter diverses influences mondiales tout au long des années 70 et 80, combinant sa clarinette d’improvisation avec des synthétiseurs. Selon Scott, «Sans les expérimentateurs, le jazz mourrait d’une mort persistante. Je crois qu’il faut être réceptif à toute musique. Si vous arrêtez d’apprendre, vous pourriez aussi bien jeter votre corne.

En tant que «l’autre» Coltrane, Alice était une figure controversée du jazz, mais pas par choix. Si son talent était respecté, elle a été accusée d’avoir brisé le plus grand groupe de jazz du milieu des années 60 lorsqu’elle l’a remplacé. McCoy Tyner comme pianiste dans la section rythmique de son mari.

Abandonnant les contraintes du bebop, les albums d’Alice sont les précurseurs de la musique électronique moderne et expérimentale. Son approche de la musique de synthé spirituelle a livré de somptueux albums teintés d’instruments classiques indiens, de méditations riches en harpe et de cordes émouvantes. Sa première sortie en solo, A Monastic Trio on Impulse! avait Alice à la harpe pour la première fois et a présenté Pharoah Sanders, Jimmy Garrison et Rashied Ali et jouant le même jazz de style libre et ouvert que son défunt mari a vanté.

Mis à part le morceau de clôture, «Jaya Jaya Rama», Huntington Ashram Monastery ne plonge pas complètement dans le jazz astral. Ce n’est qu’avec Ptah, The El-Daoud (1970) avec Pharoah Sanders à la clarinette basse, que Coltrane a vraiment pris son envol, avec un album de jazz spirituel qui remue comme un vieux disque de blues. Si quoi que ce soit, le solo de piano mélancolique de «Turiya & Ramakrishna» vaut à lui seul une écoute.

Coltrane continuerait à développer son propre style, collaborant avec d’autres artistes partageant les mêmes idées comme Ornette Coleman sur Universal Consciousness (1971). En tant que grande prêtresse du jazz spirituel, Coltrane poursuivra ses explorations modales tout au long des années 70, mêlant musique et culture du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord et expérimentant différents instruments, du tamboura au Wurlitzer.

Un autre pianiste et acteur clé du mouvement du jazz spirituel était Lonnie Liston Smith. Avant d’acquérir la réputation de précurseur du smooth jazz, il s’est fait les dents en jouant sur l’album phare de Sanders, Tauhid, et a été présenté en tant que pianiste (et parfois co-arrangeur) sur cinq albums de Sanders. Alors que Coltrane travaillait sa magie sur le Wurlitzer, Smith était un pionnier du clavier électrique Fender Rhodes.

Selon la tradition, il est tombé sur l’instrument lors d’une session en studio pour Thembi, a commencé à jouer avec et c’est ainsi que la chanson «Astral Traveling» est née. Smith rejoindra plus tard Miles Davis dans ses propres aventures au piano électrique avant de former son propre groupe Liston Smith and the Cosmic Echoes en 1973 et de sortir un premier album instrumental inspiré de son travail avec Sanders, intitulé Astral Traveling.

Albert Ayler était un autre saxophoniste diplômé de l’école de John Coltrane. Sautant juste au-delà du bebop et d’autres styles de jazz modernes, il personnifiait le son explosif du «jazz de feu», transformant son instrument en un amplificateur pour des sons sans entraves qui représentaient l’autre côté du spectre astral du jazz. Son matériel source n’a pas été importé mais le son local du blues et des spirituals du Sud, comme il l’a déclaré dans Music is the Healing Force of the Universe en 1969.

Bien qu’ils ne soient généralement pas regroupés dans le canon, les innovateurs de synthés Beaver & Krause ont obtenu leur place dans les panthéons de la musique ambiante, expérimentale ou de ce que l’on appellera plus tard «électronica» pour introduire le synthétiseur Moog dans la musique populaire. Avec un homme des effets sonores, Paul Beaver et un musicien de session et ancien Weaver, Bernie Krause, ensemble, leurs disques étaient tout aussi expérimentaux et inclassables. Leurs albums, In a Wild Sanctuary (1970) et Gandharva (1971) ont également fusionné des éléments de funk, d’hymnes dévotionnels et d’explorations de l’odyssée spatiale New Age.

On ne peut parler de jazz spirituel sans évoquer le pianiste-chef d’orchestre Sun Ra. Sa discographie massive éclipse même Sanders, planant quelque part autour de 500 albums, et ses performances live font partie de la légende. Il était l’incarnation physique de tous ces fils disparates du jazz spirituel – afro-futurisme, philosophie cosmique, percussions tribales et free jazz, tous construits sur la base du jazz du début du XXe siècle.

Ra a toujours occupé sa propre orbite, en plus de créer sa propre esthétique de costumes futuristes et de spectacles de théâtre, il a également co-fondé son propre label avec son ami Alton Abraham – El Saturn Records – l’un des premiers disques appartenant à des noirs de l’industrie de la musique. Étiquettes. Avec son collectif musical Arkestra et ses instruments électroniques modifiés, Sun Ra a exploré les confins de l’avant-garde tout en conservant un sens du jeu rythmique. Sa musique est aujourd’hui une source de découvertes infinies pour les échantillonneurs et les creuseurs de caisses.

Contrairement aux sons plus fanfarons et abrasifs du spectre du free jazz, Brown Rice (1975) de Don Cherry est considéré comme un point d’entrée bienvenu dans le sous-genre et à seulement quatre titres, il parvient à séduire la plupart des cyniques à la première écoute. La chanson titre présente les voix inspirées du scat de Cherry superposées à la guitare wah-wah de la musique de Blaxploitation. Le résultat est un free jazz assez bizarre.

Le trompettiste de jazz avait également joué avec Coltrane sur l’album The Avant-Garde et contribué à la bande originale du chef-d’œuvre du film culte psychédélique, The Holy Mountain d’Alejandro Jodorowsky. Mais Cherry est surtout connu pour son hybridation free jazz / funk / world / psych, Eternal Rhythm, un album live enregistré au Festival de Jazz de Berlin en 1968. Bien qu’il ne rentre pas dans la catégorie du jazz spirituel, il représente tout l’expérimental styles mentionnés ci-dessus et comment ils peuvent converger ensemble en un seul album magnifique.

À la fin de la décennie, les différents sous-genres ont tous commencé à sonner de la même manière. Il s’avère que le fait de ne pas avoir de frontières musicales peut être très restrictif. Le jazz spirituel a toujours été convoité par la critique et considéré comme trop expérimental pour le grand public, mais là encore, c’est pourquoi tant de gens l’aiment. Heureusement, il existe une nouvelle génération d’artistes – qui avec une technologie sans fin à portée de main – créent du jazz spirituel et ambiant à travers un objectif moderne.

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