Le duc d’Ellington: l’homme du jazz de la Renaissance

Les éditeurs de musique ne sont généralement pas connus pour leur éloquence ou leurs sentiments envers l’art qu’ils représentent, mais Irving Mills avait ceci à dire à propos de Duke Ellington. «J’ai immédiatement reconnu que j’avais rencontré un grand artiste créatif et le premier compositeur américain à saisir dans sa musique le véritable esprit jazz. Duke Ellington est né le 29 avril 1899 et est décédé le 24 mai 1974, et il incarnait le jazz comme peu d’autres.

Le jazz du duc était novateur avec des arrangements mettant en vedette son piano jouant contre un son riche et profond joué par les brillants musiciens qu’il avait toujours eu dans son orchestre. Plus de cinq cents des meilleurs musiciens de jazz du monde sont passés par ses rangs; rarement quelqu’un a été licencié parce qu’il a embauché les meilleurs. En même temps, il a écrit des chansons merveilleuses et populaires, des œuvres de jazz prolongées, des suites et a également donné des concerts sacrés. La polyvalence était ce que le duc était tout au sujet – Duke Ellington était l’homme de la renaissance du jazz.

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Devenir le «duc»

Le père d’Edward Kennedy Ellington était majordome dans une maison non loin de la Maison Blanche; il voulait que son fils devienne artiste. Ellington senior s’attendait à ce que ses enfants se comportent eux-mêmes, s’habillent et parlent en fonction de leur éducation, ce qui était bien meilleur que la plupart des futurs collègues du jeune Edward. Il a commencé à étudier le piano à l’âge de sept ou huit ans; à l’époque, le ragtime était à peu près aussi jazzy que les choses se passaient dans la capitale. Il a appris à lire la musique très tôt, ce qui l’a aidé à atteindre la grandeur par la suite.

C’est à l’adolescence qu’il s’est fait connaître pour la première fois sous le nom de «Duke»; il a été décrit comme étant quelque peu détaché à l’époque, peut-être même un peu hautain. Il a fait ses débuts professionnels à l’adolescence en 1916 après avoir appris le piano ragtime auprès d’un pianiste nommé Doc Perry; avant même de faire ses débuts, il avait composé son premier chiffon. Il a joué dans les boîtes de nuit du Capitole avec un petit groupe qui comprenait le batteur Sonny Greer, qui a travaillé avec The Duke pendant de nombreuses années.

En 1922, il emmena son trio à New York pour travailler, mais ce fut un échec. Encouragé à revenir l’année suivante par Fats Waller, il emmena ses Washingtoniens travailler chez Barron’s à Harlem; quelques mois plus tard, ils étaient en ville au Kentucky Club à Broadway. Bientôt, le duc élabora des arrangements plus compliqués et expérimenta son propre matériel.

Son premier goût du succès

Peu de temps après que Duke ait commencé à connaître le succès à New York, il a décidé qu’il avait besoin d’un manager. Irving Mills, éditeur de musique et homme à tout faire sur la musique s’est avéré être le bon choix lorsqu’il a obtenu le prestigieux concert au Cotton Club. Lors de leur ouverture, le groupe était composé de dix musiciens, rejoints par le clarinettiste Barney Bigard, aux côtés des saxophonistes, Johnny Hodges à l’alto et Harry Carney au baryton.

Les Washingtoniens avaient enregistré pour la première fois en novembre 1924 et au cours des deux années suivantes, ils avaient coupé quelques côtés de plus. Ce n’est qu’en 1926, lorsque Duke a été présenté comme Duke Ellington et son Kentucky Club Orchestra, qu’il a vraiment commencé à se montrer prometteur en studio avec «It Was A Night In Harlem» et la première interprétation de East St Louis «Toodle -o »; une version ultérieure de celui-ci avec «Toodle-oo» à la fin a fait la liste des best-sellers Billboard. Au cours des deux à trois années suivantes, l’orchestre d’Ellington sort rarement du studio; Creole Love Call, Black and Tan Fantasy et The Mooche ont tous fait partie du palmarès Billboard.

Les émissions de radio du Cotton Club, qui portaient son nom directement dans les foyers de toute l’Amérique sur le réseau CBS, qui avait été formé en 1927, étaient au cœur du succès de Duke. À la fin des années 1920, l’orchestre d’Ellington n’était pas seulement connu en Amérique. ; le mot s’était répandu en Europe et en Grande-Bretagne. En juin 1931, Ellington était dans un studio à Camden, New Jersey pour enregistrer l’un de ses disques les plus ambitieux – «Creole Rhapsody».

Il a pris les deux côtés d’un disque 78 tours, quelque chose de complètement nouveau pour un groupe de jazz; c’est ce qu’ont fait les orchestres classiques. Cela donne certainement un aperçu de ce que pensait Ellington et nous ne pouvons que spéculer sur ce qu’il aurait pu faire si une meilleure technologie avait été disponible. Il a continué à créer de nombreuses œuvres prolongées au cours des années 1930, la période la plus créative de toute sa carrière.

Trouver une renommée internationale

Ellington a finalement quitté le Cotton Club et a commencé à apparaître dans des villes de toute l’Amérique. En 1933, il entreprend sa tournée la plus ambitieuse, traversant l’Atlantique pour se produire en Grande-Bretagne. Les disques du duc se sont vendus en grand nombre, en particulier dans «Londres et les villes universitaires», selon la presse. Il apparut au London Palladium pour la première fois le 12 juin 1933 et reçut un «accueil extrêmement enthousiaste». Parmi les spectateurs se trouvait Nesuhi Ertegun, qui avait emmené son jeune frère Ahmet voir «le roi du jazz» comme les journaux surnommaient le duc; Ahmet co-fondera plus tard Atlantic Records.

Les années 1930 ont vu certains des disques les plus vendus du duc, notamment «It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)», «Soph Computing Lady», «Stormy Weather», «Cocktails for Two», «Solitude »Et« Caravane ». Sur beaucoup de ces disques, ainsi que le voyage d’Ellington à Londres en 1933, se trouvaient des musiciens exceptionnels, dont Barney Bigard à la clarinette, Cootie Williams à la trompette et Ben Webster au sax ténor.

«Duke Ellington a été le véritable pionnier des concerts de jazz.» – Norman Granz

Au moment où Ellington retourna en Grande-Bretagne en 1939, Billy Strayhorn, collaborateur de longue date de Duke, avait rejoint le groupe en tant qu’arrangeur, compositeur et deuxième pianiste. Il a ajouté encore plus de profondeur et de variété au son d’Ellington. Les tournées aux États-Unis sont devenues plus grandes et plus somptueuses au fil des années. Au lieu de voyager en bus, comme la plupart des groupes, «Duke Ellington’s Famous Orchestra», comme ils étaient facturés, voyageait dans leur propre voiture Pullman. Ce n’était pas l’inspiration pour l’un des disques les plus célèbres du groupe, «Take The A Train», qu’ils ont enregistré à Hollywood en janvier 1941. La chanson, écrite par Billy Strayhorn, qui est devenue synonyme du groupe, est devenue leur morceau de signature, était en fait sur le métro de New York.

Créer un hymne de jazz

«Take The A Train» n’était que l’un des nombreux enregistrements étonnants réalisés entre 1939 et 1942; l’orchestre était à son meilleur. Mais même ceux-ci devaient être éclipsés par la première très longue œuvre du duc – «Black, Brown and Beige» – qui a eu sa première au Carnegie Hall en novembre 1943. L’inspiration derrière la pièce était de raconter l’histoire des Afro-Américains et de leur lutte. C’était le premier d’une série de concerts, qui présentait les œuvres plus longues d’Ellington. Bien que le duc ne soit pas le premier musicien de jazz à avoir joué au Carnegie Hall, son programme musical était le plus ambitieux.

Avec les restrictions de la guerre, suivi par le déclin de l’intérêt pour grands groupes, L’Orchestre d’Ellington n’était pas différent de presque tous les autres en ce sens qu’il y avait moins d’opportunités à la fois sur disque et en concert. Heureusement, Ellington était mieux placé que les autres dans la mesure où ses affaires d’édition de chansons étaient bien gérées. Cela signifiait que les redevances de l’écriture de chansons subventionnaient dans une certaine mesure son groupe. «Don’t Get Around Much Anymore», «Mood Indigo» et «Sophothing Lady» ne sont que trois des compositions qui rapportent des sommes importantes, se répartissant bien en six chiffres pour chaque chanson, même dans les années 1940.

La fin de l’ère du big band

Au début des années 1950, la situation était devenue bien pire pour tous les grands groupes, Ellington en particulier a souffert quand il a perdu deux de ses piliers – Johnny Hodges et Sonny Greer; pendant un moment, il sembla que le duc pourrait en fait plier complètement son groupe de tournée. Cependant, l’avènement du disque de longue durée a permis à Duke de concentrer ses efforts de composition sur des pièces de plus en plus intéressantes. En même temps, il y avait aussi des tournées à l’étranger mais les choses n’étaient certainement plus ce qu’elles étaient.

Puis en 1956, il y a eu une sorte de renaissance dans la fortune de l’Orchestre, à commencer par une apparition au Newport Jazz Festival en juillet. Avec le nouveau saxophoniste Paul Gonsalves jouant un solo de six minutes sur Diminuendo et Crescendo in Blue, une pièce datant de la fin des années 30, l’Orchestre d’Ellington a pris d’assaut le festival.

Ils ont également été aidés par le retour au bercail de Johnny Hodges et un nouveau contrat d’enregistrement avec Columbia Records qui a sorti «Ellington at Newport» et vendu un chapeau plein. Suite à cette résurgence, une autre grande tournée européenne en 1958 a donné au groupe un statut international renouvelé qui risquait de disparaître. Ellington et Strayhorn ont également écrit la partition du film Anatomy of a Murder en 1959, ce qui a ajouté un autre niveau d’intérêt pour ce qu’ils faisaient.

Adopté par une nouvelle génération de jazz

Au début des années 60, Ellington a également travaillé avec de jeunes stars du jazz, dont Charles Mingus et John Coltrane, qui a contribué à lui faire découvrir une nouvelle génération de fans récemment introduite dans le giron du jazz par cette nouvelle race de musiciens. Mais ce n’était pas seulement la nouvelle race qui reconnaissait le duc; Ella Fitzgerald a enregistré son livre de chansons hommage à Ellington – c’était une classe de maître.

En 1965, il enregistre son premier concert de musique sacrée, qui rencontre des critiques mitigées; un fait qui n’a rien fait pour dissuader le duc de le reprendre partout dans le monde à de nombreuses reprises. À l’autre bout du spectre musical, il a fait la musique pour un Frank Sinatra film intitulé Assault On A Queen; la musique était bien meilleure que le film mais elle ne comportait pas le chant de Sinatra. L’année suivante, l’Orchestre d’Ellington a travaillé sur un album avec Frank intitulé “Francis A and Edward K.” Cette collaboration unique est passée presque inaperçue au moment de sa sortie, ne parvenant même pas à figurer dans le palmarès des 40 meilleurs albums; c’était LA voix aux côtés de l’un des grands orchestres de jazz.

Parmi les chansons qu’ils ont enregistrées, il y avait le magnifique «Indian Summer» avec un superbe arrangement de Billy May qui est à la fois moderne et à la fois moderne, comme il sied à une chanson écrite en 1919. C’est l’une des meilleures chansons que Frank ait jamais connues. enregistré pour Reprise. Le solo de saxophone de Johnny Hodges ajoute certainement à l’effet global et Sinatra a été tellement captivé lors de son enregistrement que lorsqu’il se termine, il est une demi-seconde en retard pour chanter. Hodges mourut deux ans plus tard et c’était une élégie appropriée pour le grand saxophoniste.

En 1969, Ellington a reçu la médaille de la liberté à la Maison Blanche; cela aurait certainement choqué son père, mais peut-être pas. Venez les années 1970 et Ellington travaillait partout dans le monde. Cela comprenait une tournée en Russie en 1971 et un concert à l’abbaye de Westminster à Londres en décembre 1973 qui mettait en vedette sa musique sacrée. Le duc souffrait d’un cancer du poumon à cette époque et il est décédé le 24 mai 1974.

Incontestablement, Duke Ellington était l’un des plus grands compositeurs du XXe siècle. Il vend des disques en grande quantité et crée un son qui lui est propre et dont le jazz sera à jamais le plus riche.

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