Le sergent qui change la donne. Poivre de chaque décennie

Après l’anniversaire de la sortie de Les BeatlesSgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, une grande partie de la célébration et de la discussion se concentre sur son rôle en tant que force influente dans l’histoire de la musique. Même pour ceux qui préfèrent les autres albums des Beatles à Sgt. Pepper, il est difficile de nier la grande influence du disque, à la fois sonore et culturelle. Depuis lors, chaque décennie suivante avait son propre « Sgt. Pepper », un album qui a révolutionné la musique, que ce soit par la production, le style ou l’impact culturel. Les tendances musicales n’adhèrent pas naturellement aux distinctions des décennies, mais elles aident à déterminer quand l’air du temps a changé, et la musique a souvent été le catalyseur d’un plus grand changement culturel. Voici quelques enregistrements, post-Sgt. Pepper, c’est exactement ça.

Reine : Une nuit à l’opéra (années 70)

Alors que le disco a certainement dominé les charts plus tard dans la décennie, les années 70 ont été l’une des plus diversifiées musicalement de toutes les décennies, un véritable creuset de formes musicales qui n’aurait pas été possible sans le Sgt. Pepper, et serait représenté sur le classique révolutionnaire de Queen, Une nuit à l’opéra, en 1975.

Sorti moins de dix ans après le Sgt. Poivre, reine, a emboîté le pas, employant la même pratique de studio en tant qu’instrument, ainsi qu’une écriture collaborative avec tous les membres. A Night At The Opera a poussé la technologie multipiste à son extrême logique, s’étendant au-delà des quatre pistes du Sgt Pepper à 24, et a exploité les capacités du son stéréo pour créer des compositions méticuleuses. Brian May décrira plus tard l’album comme « notre Sgt. Poivre. » Comme le film Marx Brothers dont il porte le nom, A Night At The Opera a été conçu pour être exagéré et infusé des éléments d’opéra dans un rock épique.

Après trois albums, Queen avait hâte d’expérimenter davantage et savait qu’il lui fallait un énorme succès pour atteindre un public international. Entrez dans la chanson rock la plus ambitieuse de tous les temps… « Bohemian Rhapsody ». Comme « A Day In The Life », le faux opéra en plusieurs parties de Queen’s était révolutionnaire dans ses réalisations de production et son héritage culturel durable. La maîtrise technique et mélodique pure qui est entrée dans le chef-d’œuvre n’a pas encore été éclipsée.

Mais l’album est bien plus que son célèbre opus ; il dispose également d’un ensemble incroyablement diversifié de morceaux mieux appréciés en les écoutant dans leur intégralité. « Lazing On A Sunday Afternoon » et « Seaside Rendezvous » de Freddie Mercury capturent le même esprit vaudevillian que « Being For The Benefit Of Mr. Kite! » effets et une soprano d’opéra dans les chœurs.

Les fans de rock traditionnel ont été rassasiés par le rock lourd, « Sweet Lady », tandis que le groupe est revenu au territoire du rock progressif sur « The Prophet’s Song ». A Night At The Opera a représenté le meilleur de tous les membres et a fait de Mercury l’un des plus grands talents vocaux du siècle. Le pari artistique du groupe a porté ses fruits et A Night At The Opera a atteint le numéro 1 au Royaume-Uni et le numéro 4 aux États-Unis – la première fois qu’un album de Queen s’était classé parmi les dix premiers.

Prince et la révolution : Purple Rain (années 80)

Les années 80 étaient un âge d’or de la musique pop, mais aucun disque ne peut rivaliser avec le succès follement créatif et commercialement lucratif de Prince‘s Purple Rain. Au début de la décennie, Prince avait connu un succès mitigé avec son premier hit du Top 40, « I Wanna Be Your Lover » en 1980, et son premier Top 10, « Little Red Corvette » en 1983, mais était toujours confronté au radio rock notoirement ségréguée de l’époque. Sa solution ? Pour créer le plus gros disque pop qui ferait sortir tous les Springsteens et Huey Lewis & The News des charts.

Michael Jackson a prouvé que le moyen d’attirer l’attention était de parcourir toute la gamme musicale avec Thriller, et c’est donc ce que Prince a fait lorsqu’il a livré son hybride pop-rock, soul et psychédélique, Purple Rain. Avec un expérimentalisme à la hauteur des Beatles sur Sgt. Pepper, Prince n’a jamais vraiment touché aux genres; il les dominait avec aisance, canalisant Hendrix sur la ballade rock monumentale, « Purple Rain » une minute et transformant pour la première fois un morceau de soul psychédélique sans ligne de basse en un single à succès avec « When Doves Cry ». Avec sa liste de pistes de genre, Purple Rain a laissé les gens et les programmeurs deviner, l’associant à des groupes électro-pop comme Depeche Mode à la radio pop et lui a valu une place dans la rotation régulière de MTV, un exploit rare que Jackson n’appréciait auparavant.

Avant Purple Rain, Prince n’avait jamais eu de succès n°1 ; maintenant, il en avait deux, avec « When Doves Cry » et « Let’s Go Crazy ». Parallèlement au succès des charts, Purple Rain a également fait de Prince une star de cinéma du jour au lendemain. En 1984, Prince était le seul artiste depuis les Beatles à détenir simultanément l’album, le single et le film n ° 1 en Amérique, l’album se vendant à plus de 20 millions d’exemplaires et le film rapportant près de 70 millions de dollars au box-office (près de dix fois ce qu’il en coûte à faire).

Alors que le clip était encore un outil marketing naissant, Prince est allé plus loin et a réalisé un film entier pour l’album, le propulsant dans la stratosphère de la musique pop et redéfinissant entièrement la façon dont les artistes présentent leur musique. Le film a remporté l’Oscar de la meilleure musique originale (une catégorie qui n’existe plus) tandis que l’album était également célèbre pour avoir provoqué le Autocollant d’avis parental sur des albums après que la première dame de l’époque, Tipper Gore, ait entendu sa fille écouter « Darling Nikki ». Combien d’artistes peuvent revendiquer l’incitation à une audience au Sénat ?

Radiohead : OK Ordinateur (années 90)

Il a fallu 30 ans après le Sgt. Pepper est sorti pour qu’un autre groupe britannique soit présenté comme « le groupe le plus important du monde ». À cette époque, l’utopie psychédélique promise avait cédé la place aux années 90 paranoïaques et technologiquement surchargées. Même pendant l’essor de la musique téléchargeable, Radiohead’s OK Ordinateur a réussi à restaurer la foi dans le format de l’album, et est considéré comme l’un des derniers du genre. La plupart des discussions sur l’album sont centrées sur ses thèmes lyriques prophétiques : l’abandon de l’individualisme (« No Surprises »), la surveillance gouvernementale (« Karma Police » et « Electioneering ») et l’automatisation de nos vies (« Fitter Happier ») . Tout cela semblerait très grandiose sans les guitares garage-rock explosives, les mélodies savamment conçues et le ténor désarmant de Thom Yorke.

Comme le sergent. Pepper, OK Computer se définit aussi par ses innovations de production. Cela a vu le groupe s’éloigner davantage de leurs précédents albums axés sur la guitare, The Bends et Pablo Honey, et expérimenter des batteries programmées, des claviers électroniques et des échantillonnages instrumentaux qui caractériseraient leur marque distincte d’électronique moderne. La complexité s’est également répercutée sur le processus de composition, en employant une composition complète comme les Beatles et en fusionnant différentes parties de chansons écrites par chaque membre du groupe, ce qui a entraîné de multiples changements de tonalité, de BPM et de tempo dans des hymnes tentaculaires tels que .  »

À une époque où le son rétro-fétichiste de la Britpop régnait en maître, Radiohead a complètement appuyé sur le bouton de redémarrage du rock. OK Computer a influencé la musique rock sans doute plus que tout autre album des années 90. Universellement salué lors de sa sortie, la popularité, la pertinence et l’influence de l’album n’ont fait que croître de façon exponentielle au cours des années suivantes. Il est devenu platine dans presque tous les pays, a généré trois sommets des charts et a engendré un clip vidéo à succès, juste au moment où le média commençait à décliner. OK Computer a également officiellement marqué le départ du groupe du rock traditionnel et de leur propre terrain de jeu, où ils continueraient d’évoluer dans de nouvelles directions que personne n’aurait pu prédire.

Kanye West: Décrochage universitaire (00s)

Avant que Canard prenait contact avec son côté sensible et Chance The Rapper jouait avec des ours en peluche, Kanye West a abandonné ses débuts, Décrochage collégial, et enflamme les stéréotypes les plus tenaces du hip-hop. Après avoir été formé par son mentor Jay Z en tant que producteur prometteur et prochaine star de Roc-A-Fella, Kanye a prouvé une fois pour toutes qu’il pouvait être un producteur qui rappe et chante (lorsque l’occasion l’exigeait).

Les débuts de West ont apporté un timing comique et un esprit subversif lorsque le hip-hop en avait le plus besoin. Cela n’allait pas être un autre conte de passage à l’âge adulte sorti des rues, College Dropout était son auto-présentation en tant que gamin de Chi-town qui portait des polos roses et le « premier [rapper] avec une Benz et un sac à dos », brouillant davantage la frontière entre le rap grand public et le hip-hop underground, un peu comme Sgt Pepper a franchi les frontières entre la musique pop et l’expérimentalisme d’avant-garde.

Fils d’un ancien Black Panther et professeur d’anglais, West a utilisé l’album comme une lettre d’amour à ses goûts musicaux éclectiques, échantillonnant tout le monde, de Bette Midler à Aretha Franklin et Chaka Khan ; c’était un travail d’amour rythmé par le R&B. College Dropout a apporté une sensibilité émotionnelle au hip-hop, tout en réécrivant complètement les règles du contenu lyrique du rappeur. Sur « It All Falls Down », West dénonce le consumérisme ostentatoire (« Ne pouvait pas se permettre une voiture, alors elle a nommé sa fille A-lexus » tout en s’y adaptant, « Je ne peux même pas prononcer rien, passez ce Ver-say -voir. »

Chaque morceau était audacieux sur le plan sonore, de l’évangile explosif de « Jesus Walks » à la parodie frénétique de « The New Workout Plan », Kanye a tout fait avec style, aplomb et intelligence. College Dropout a maintenu West dans une rotation radio intense toute l’année, lui a valu 10 nominations aux Grammy et trois victoires, et a inspiré toute une génération de MC conscients, y compris Kendrick Lamar, Chance The Rapper, Drake et d’innombrables autres.

Kendrick Lamar: To Pimp A Butterfly (2010s)

Alors que les années 2010 avançaient et que le streaming était devenu l’expérience d’écoute dominante, les albums ont réussi à défier leur râle d’agonie et à maintenir leur pertinence culturelle en tant que déclaration artistique cohérente. En 2012, Kendrick Lamar a livré ses brillants débuts en major avec Good Kid, MAAD City, un tournant pour le genre MC et hip-hop en général. Avec cela, il a non seulement endossé le manteau du nouveau roi du hip-hop de la côte ouest, mais la voix d’une génération – une responsabilité qu’il n’a pas prise à la légère sur le suivi émotionnellement dense et provocateur, Pour pimper un papillon.

Bien que profondément personnel, le disque tentaculaire et chaotique parle de vérités plus systématiques à travers un amalgame de hip-hop, de jazz, de funk, de soul et de création orale. Sur les traces d’OutKast, Les racines, et Kanye West, TPAB offre une alternative au côté ostentatoire du hip-hop et redessine les frontières de ce qui est catalogué comme « musique rap ». Lamar fait de l’échantillonnage une forme d’art, faisant référence à tout le monde de Les frères Isley (sur « That Lady »), à James Brown (« King Kunta »), au bassiste jamaïcain Boris Gardiner (« Wesley’s Theory ») et au polymathe indépendant Sufjan Stevens sur le morceau phare « Hood Politics ».

Dès sa sortie, tout le monde a vite reconnu l’énergie maniaque et imprévisible d’un disque de jazz sur Butterfly, grâce à un groupe live composé du pianiste Blue Note Robert Glasper et son collaborateur fréquent Bilal, ainsi que le producteur/saxophoniste Terrace Martin et le maestro de la basse Thundercat, parmi près de trois douzaines de collaborateurs. Certains l’appellent un album concept, d’autres un traité de 75 minutes sur la culpabilité des survivants ; de toute façon, c’est la musique comme manifeste. Lamar évite les singles radio traditionnels pour raconter un récit plus large raconté à travers son flux inégalé. Salué comme le premier album de la nouvelle ère du rap, aucun disque de hip-hop n’avait eu un tel impact depuis Ready To Die de Notorious BIG et Nas‘ Illmatique en 1994.

Comme ces albums – et, en effet, Sgt Pepper – To Pimp A Butterfly représente une période très spécifique, comme en témoigne sa puissante pochette d’album, qui est devenue l’une des pièces les plus mémorables de l’iconographie de l’Amérique « post-raciale » d’Obama. . Depuis sa sortie, il a influencé tout le monde de Kanye West à David Bowie, qui a déclaré à Rolling Stone que son inspiration pour expérimenter de nouveaux sons sur ★ provenait de l’écoute de TPAB. L’album a remporté le prix du meilleur album de rap aux 58e Grammy Awards et a été ajouté à la bibliothèque de Harvard en reconnaissance de son importance culturelle.

Share