Le voyage d’Edgar Wright vers le grand public

Être fan d’un cinéaste culte n’est pas sans rappeler être fan d’un film culte. Il y a le désir de partager leur travail avec des personnes partageant les mêmes idées et la création d’une communauté grâce au bouche à oreille enthousiaste. Mais comme pour les films cultes, il y a toujours le potentiel d’un intérêt autrefois de niche qui se généralise. Soudain, il semble que tout le monde est dans le secret.

Pour le meilleur ou pour le pire, ce type de percée a défini la dernière étape de la carrière d’Edgar Wright. Après s’être fait les dents avec des sitcoms et des comédies de genre décalées dans son Angleterre natale, Wright s’est transformé en un réalisateur incontournable dont les projets originaux, bien que souvent remplis d’hommages affectueux à la culture pop, sont une bouffée d’air frais dans un paysage théâtral dominé par des blockbusters basés sur IP. Des comédies de référence exubérantes comme Hot Fuzz à l’adaptation audacieuse du roman graphique rom-com-cum-action-film Scott Pilgrim contre le monde, Wright a été salué comme le «saint patron de la culture fanboy». Son dernier film, Last Night in Soho, rend hommage à la fois au swing des années 60 et aux films giallo classiques de Londres. Mais il est également teinté d’horreur, racontant l’histoire macabre d’un étudiant en mode moderne qui se retrouve mêlé à un mystère vieux de plusieurs décennies concernant un chanteur de boîte de nuit qui a été horriblement tué.

En raison de son sujet, Last Night in Soho semblerait marquer un changement de ton majeur pour Wright, dont le travail est souvent imprégné d’un sens de l’humour sec (et incontestablement britannique). Mais le fait que Last Night in Soho remet en question l’idée de ce que peut être un film d’Edgar Wright est un point en soi. Comme Adam McKay, Wright continue de sortir de sa zone de confort dans le but d’être davantage considéré comme un cinéaste sérieux – et bien qu’il y ait eu quelques ralentisseurs au cours de ce pivot de carrière, ce fut tout de même un voyage fascinant.

Alors que le premier long métrage de Wright était la parodie occidentale de 1995 A Fistful of Fingers, son budget limité (seulement 15 000 $), l’absence de sortie DVD et l’indisponibilité d’un service de streaming signifient que le film est essentiellement omis du dossier du réalisateur. (Wright, pour sa part, a exprimé sa déception que A Fistful of Fingers ne soit pas aussi raffiné que les débuts cinématographiques de pairs cinématographiques comme Sam Raimi, Peter Jackson et Robert Rodriguez, ce qui pourrait expliquer son inaccessibilité continue.) Au lieu de cela, après avoir réalisé des passages dans des sitcoms britanniques dans les années 90 et au début des années 90, y compris Spaced, qui a marqué le début de nombreuses collaborations fructueuses entre Wright et Simon Pegg, sa véritable arrivée sur grand écran a été la comédie d’horreur Shaun of the Dead. Le film suit Shaun (joué par Pegg), un fainéant calme complètement inconscient de l’apocalypse qui se déroule autour de lui.

Avec un titre inspiré de George Romero, le parrain du sous-genre zombie, Shaun of the Dead se penche sur des tropes établis et les fait tourner pour un effet comique, comme les morts-vivants marchant si lentement qu’ils sont extrêmement faciles à éviter. Mais ce qui fait vraiment résonner Shaun of the Dead, c’est sa comparaison pointue entre la zombification et les routines insensées de la vie quotidienne. Le frisson du point culminant du film n’est pas tant l’apocalypse zombie évitée, mais Shaun se libérant d’un cycle de mondanité auto-entretenu.

Pour le suivi de Wright, Hot Fuzz, une telle banalité est censée être une punition. Dans ce document, Pegg incarne Nicholas Angel, un agent de police londonien si efficace dans son travail qu’il fait mal paraître le reste du service de police. Il est ainsi réaffecté à Sandford, Gloucestershire, un hameau endormi qui remporte régulièrement le prix du «Village de l’année». Là-bas, Angel rencontre Danny Butterman (Nick Frost), dont l’amour débridé pour les films d’action de copains et de flics fait également de lui un maladroit dans un village où rien ne se passe. Bien sûr, Angel découvre bientôt qu’il y a une sinistre conspiration en jeu à Sandford, et que tous les horribles «accidents» autour du village sont en réalité l’œuvre d’une cabale obscure (la surveillance du quartier) qui se prépare à remporter le village de l’année.

C’est une prémisse absurde pour n’importe quel film, sans parler d’une parodie de film d’action qui riffs joyeusement sur Point Break et la filmographie de Michael Bay. Mais Hot Fuzz fonctionne aussi bien parce que Wright comprend la clé pour faire une grande parodie : le film n’est pas une parodie de films d’action, mais une lettre d’amour aux excès ridicules du genre. Il est particulièrement amusant que Wright utilise les mêmes techniques de réalisation de films cinétiques de ces films pour quelque chose d’aussi banal que de chasser des enfants mineurs d’un pub et de traiter des documents. Mais lorsque le feu d’artifice arrive dans l’apogée explosive de Hot Fuzz, Wright prouve qu’il est tout aussi capable de spectacle que les cinéastes auxquels il rend hommage.

Avec Hot Fuzz qui a rapporté 80 millions de dollars au box-office, le cinéaste a pu passer au niveau supérieur pour son prochain projet dans tous les sens du terme. La première et unique adaptation de Wright, Scott Pilgrim contre le monde, suit son bassiste titulaire (Michael Cera) alors qu’il combat les sept ex malfaisants de son dernier béguin Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). Alors que Scott Pilgrim a une distribution absurde d’acteurs à l’aube de la célébrité – Winstead, Aubrey Plaza, Brie Larson, Chris Evans, Anna Kendrick – l’héritage le plus déterminant du film est la façon dont il adopte de manière unique la structure et l’iconographie d’un jeu vidéo.

Dans Scott Pilgrim, vaincre un ex maléfique devient essentiellement un niveau dans un jeu de combat, renforcé par des moments tels que les méchants explosant en pièces lorsque Scott les bat. L’expérience lugubre est une pure surcharge sensorielle, une correspondance parfaite entre le matériel source (les romans graphiques audacieux et stylistiques de Bryan Lee O’Malley) et la propre sensibilité pop de Wright. En portant ses inspirations sur sa manche, Scott Pilgrim pourrait être la recréation la plus authentique d’un jeu vidéo jamais adapté pour le grand écran, un exploit particulièrement impressionnant étant donné qu’il n’est pas basé sur un jeu vidéo réel. L’étrangeté irrésistible du film de Wright a attiré de nombreux admirateurs, mais a également limité son attrait pour le grand public – tout compte fait, Scott Pilgrim est devenu une bombe au box-office pour Universal.

Mais l’enthousiasme geek de Wright n’est pas passé inaperçu: Scott Pilgrim a été consacré comme un classique culte à peu près aussi rapidement qu’il a bombardé, à quel point le cinéaste de plus en plus animé a atterri sur le radar des pouvoirs derrière l’univers cinématographique Marvel. (Lorsque Marvel appelle, vous avez définitivement obtenu votre diplôme de réalisateur culte.) Mais au lieu que ce soit un moment où Wright a encaissé ses jetons pour rejoindre la monoculture, c’est devenu un tournant dans lequel il s’est soutenu et a même investi davantage dans ses instincts de cinéaste. Après avoir poursuivi un film Ant-Man pendant près d’une décennie, Wright a finalement quitté le projet pour des « différences créatives ». « Je pense que la réponse la plus diplomatique est que je voulais faire un film Marvel mais je ne pense pas qu’ils voulaient vraiment faire un film d’Edgar Wright », a expliqué Wright sur le podcast Playback de Variety en 2017.

Débarrassé du devoir de colorier dans les lignes clairement définies de Marvel, Wright est revenu au puits fructueux des comédies de genre, complétant la trilogie dite Cornetto qui a commencé avec Shaun of the Dead et Hot Fuzz. (Le titre fait référence, oui, à différentes saveurs de cornets de crème glacée Cornetto.) La fin de la trilogie, The World’s End, concerne cinq amis d’enfance – dirigés, une fois de plus, par Pegg et Frost – faisant une tournée des pubs dans leur ville natale. Naturellement, c’est là qu’intervient l’accroche du genre : le groupe découvre rapidement que les habitants de la ville ont été remplacés par des extraterrestres. (En ce qui concerne les influences, l’ambiance est très Invasion of the Body Snatchers.)

Avec La fin du monde, Wright livre certaines de ses comédies physiques les plus fortes à ce jour, mises en évidence par une bagarre dans la salle de bain (vraiment bien chorégraphiée) qui descend dans un désordre gluant lorsque les extraterrestres commencent à cracher de l’encre bleue hors de leur corps. Mais le film a un courant sous-jacent plus doux-amer que les efforts précédents de Wright: le nœud émotionnel du pèlerinage ivre du groupe est que Gary King de Pegg est un alcoolique désespéré de revivre les jours de gloire, tandis que le reste de ses amis ont continué leur vie. Wright avait fait carrière dans la nostalgie minière jusqu’à présent, mais La fin du monde a montré les inconvénients de toujours vouloir vivre dans le passé.

Que ce message soit reflété ou non de manière subliminale dans la prochaine étape de la carrière de Wright est ouvert à l’interprétation, mais la conclusion de la trilogie Cornetto axée sur l’hommage a permis au réalisateur de se concentrer sur un projet de passion tout à fait original. Le résultat a été Baby Driver, un film dans lequel les rythmes de la bande originale correspondent à l’action qui se déroule à l’écran, un effet fascinant que certains critiques ont comparé à une comédie musicale. Quoi que vous vouliez appeler Baby Driver, on ne peut nier la puissance de sa poursuite en voiture d’ouverture, définie et intentionnellement construite autour de la piste de Jon Spencer Blues Explosion « Bellbottoms ».

L’explication intégrée des rythmes musicaux est que Baby (Ansel Elgort) écoute constamment des chansons pour couvrir ses acouphènes, mettant le public dans son espace de tête. Mais alors que Baby Driver est un argumentaire intéressant pour un film, il a parfois du mal à être autre chose qu’un gadget – un gadget qui manque beaucoup de l’humour caractéristique de Wright et qui culmine tôt. Baby n’est pas tant un personnage qu’un chiffre pour une bande originale de tueur, facilement éclipsée par les escrocs à deux bits de Jamie Foxx et Jon Hamm. Cette critique, pour être juste, ne fait pas consensus : Baby Driver a reçu des critiques élogieuses et, ayant rapporté plus de 225 millions de dollars, a catapulté Wright dans le grand public. Mais le compromis du succès du film est qu’il lui manquait certaines des marques de fabrique des premiers travaux du réalisateur qui lui ont valu un culte au départ. (Un autre développement hors de la norme: Baby Driver pourrait être la première fois que Wright poursuit une suite.)

Le fait que Baby Driver se sentait un peu décevant était révélateur de la barre haute que Wright s’était fixée. De plus, l’attrait commercial du film lui a donné la liberté de poursuivre des projets plus originaux, y compris son premier documentaire, The Sparks Brothers de 2021. Mais si l’on espérait qu’une plus grande latitude créative empêcherait une trajectoire descendante, Last Night in Soho ne fait rien pour le confirmer.

Comparé à ses comédies sur les zombies, les films d’action et la science-fiction, on a l’impression que Wright essaie de rendre ses influences dans Last Night in Soho plus sophistiquées. Mais alors que la recréation fastidieuse du passé par le réalisateur évoque des images indélébiles – rien de mieux qu’une publicité géante pour l’entrée de Bond Thunderball au cœur de Soho – Wright commet le péché capital de se prendre trop au sérieux. Le film manque d’humour, malgré la théâtralité ridicule de l’industrie de la mode mettant pratiquement en place des punchlines sur un plateau d’argent. Et bien que cela ne soit pas irrécupérable si Last Night in Soho clouait les éléments d’horreur de l’histoire, il ne parvient pas non plus à faire peur ou à empiler sur le sang. Plutôt que de capturer l’esprit des giallos, Wright en fait une imitation sans vie ; joli par moments, mais finalement vide.

S’il y a une conclusion encourageante de Last Night in Soho et Baby Driver qui ne réalisent pas tout leur potentiel, c’est que Wright continue de viser quelque chose en dehors de sa timonerie habituelle. De toute évidence, le réalisateur n’est pas intéressé à se répéter – un geste audacieux en soi, vu que la trilogie Cornetto est tellement appréciée. Pourtant, ce serait formidable si Edgar Wright, qui fait désormais partie du grand public, pouvait retrouver ce qui a fait de lui un cinéaste culte en premier lieu. Contrairement au message de certains de ses films, chercher de l’inspiration dans le passé ne doit pas être de mauvais augure.

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