Le cinéma hollywoodien a fait URSS en menace éternelle et, en tant que tel, en rival continu pour gagner. Un coup d’œil sur l’industrie longue et complexe de la région suffit pour connaître un visage plus précis de la société eurasienne. Des histoires de genres différents, dont certaines sont dominées par le nationalisme, mais aussi par des sentiments et des préoccupations bien connus dans le monde. Le résultat est une filmographie aussi fascinante qu’hypnotique et qui continue d’être une source d’étude et d’admiration près de 30 ans après la chute du bloc. Des classiques du cinéma muet aux chefs-d’œuvre de réalisateurs de classe mondiale en passant par des arrêts humoristiques hilarants, nous passons en revue les films essentiels du cinéma soviétique.

10. L’ironie du destin, ou profitez de votre bain! (Dir. Eldar Ryazanov, 1976)

La fiction a transformé les Soviétiques en une société froide et tragique dans l’imaginaire collectif occidental, au point qu’il est difficile d’imaginer une comédie au sein de leur industrie. L’ironie du destin, ou profitez de votre bain! Ce n’est pas seulement l’un des plus réussis, mais aussi l’un des plus appréciés du public russe, car c’est un classique de la saison de Noël. Une comédie romantique sur un homme qui envisage de passer le Nouvel An avec sa fiancée à Moscou, mais un après-midi précédent d’alcool avec ses amis le laisse sur un vol pour Leningrad et dans une série de confusions hilarantes. Malgré sa nature légère, le film n’a pas été sans débat en territoire occidental, car si certains le considèrent comme un simple équivalent de Comme il est beau de vivre! (1946), certains y voient une critique voilée de l’uniformité soviétique. Au-delà de la polémique, sa popularité s’est traduite par une suite sortie dans 30 ans. Il n’a pas pu égaler le statut de l’original, mais le public l’a accueilli avec enthousiasme et en a fait l’un des films les plus rentables de l’histoire du cinéma soviétique.

9. Bim, mon meilleur ami (Dir. Stanislav Rostovsky, 1977)

Films de cinéma soviétique

Un titre obligatoire pour ceux qui ont apprécié – et pleuré – avec des films comme Marley et moi (2008) et Toujours à vos côtés (2009). Le film explore l’affection entre un homme plus âgé et son chien Bim, qui se caractérise par une coloration inadaptée à sa race: un corps blanc et une oreille noire. Le drame commence lorsque l’homme est hospitalisé et que le chien désespéré part à la recherche de son meilleur ami, dans un voyage qui lui permettra de connaître de première main les deux facettes de la nature humaine. La profondeur de son message dans une intrigue de bases simples lui a valu une nomination aux Oscars dans la catégorie du meilleur film étranger. Il n’a pas gagné, mais sa présence dans la liste restreinte a représenté un coup de pouce important qui lui a permis de devenir l’un des films les plus représentatifs du cinéma soviétique.

8. Le bras de diamant (Dir. Leonid Gaidai, 1969)

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Leonid Gaidai est l’un des grands représentants de la comédie soviétique, The Diamond Arm étant son titre le plus représentatif. Comme le veut sa filmographie, le film allie humour et criminalité, en l’occurrence pour nous présenter un homme ordinaire impliqué accidentellement dans une opération de trafic de bijoux à grande échelle. Comme beaucoup des principaux représentants du genre dans toute l’histoire du cinéma, le film a eu un grand impact socio-politique en incluant des éléments hautement controversés pour son contexte, tels que des allusions à la prostitution ou à l’alcoolisme. L’incorporation de véhicules américains interdits dans le pays n’a pas été moins populaire, ce qui a été considéré comme un défi direct aux autorités de l’État. Ces éléments, associés à une bande-son mémorable et à la performance stellaire hilarante de Yuriy Nikulin, en ont fait l’un des films les plus populaires de la région, ainsi que l’un des grands classiques de la comédie au monde.

7. Guerre et paix (Dir. Sergey Bondarchuk, 1966)

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La première adaptation du classique littéraire de Léon Tolstoï a été réalisée en Russie en 1915, mais la première à gagner une renommée mondiale a été réalisée par le roi Vidor et mettant en vedette Audrey Hepburn et Henry Fonda. Tous deux ont été relégués au second mandat par la version soviétique de Sergey Bondarchuk et ce fragment en quatre parties – d’une durée de plus de sept heures – a facilité la traduction cinématographique de ce qui est considéré comme l’une des principales œuvres de la littérature russe. Une histoire qui montre les différents visages des élites eurasiennes face à la guerre imminente avec Napoléon: les adultes se préparent à une invasion qui pourrait s’avérer catastrophique; les jeunes vivent dans un monde de rêves qui les prive de tout souci. Tout cela aboutit à un formidable récit historique du conflit et à une brillante exploration sociale d’une société disparue pour toujours. Sa grandeur en a fait le premier cinéma soviétique à être récompensé par l’Oscar du meilleur film étranger.

6. Moscou ne croit pas aux larmes (Dir. Vladimir Menshov, 1980)

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Bien qu’il n’ait jamais été largement accepté par le public et les critiques de cinéma en raison de la nature de son message central, le film a été salué pour son reflet fidèle de la pensée soviétique à une époque de restructuration sociale franche à l’échelle mondiale. L’histoire commence en 1958 avec l’arrivée à Moscou d’une jeune femme enceinte et abandonnée par un jeune homme de la ville, pour ensuite déménager en 1979 et montrer comment être mère célibataire ne l’a pas empêchée de récolter une carrière réussie, mais que cela l’a compliquée rechercher le bonheur en la condamnant à une vie amoureuse compliquée. C’était le troisième et dernier film de l’URSS à remporter l’Oscar du meilleur film étranger, mais plus important encore, Ronald Reagan l’a utilisé comme un objet d’étude franc lorsqu’il l’a vu au moins huit fois pour comprendre la mentalité des Eurasiens avant leur rencontres diplomatiques avec Mikhail Gorbatchev. Cette situation n’est pas passée inaperçue à Hollywood qui envisageait la réalisation d’un remake américain qui ne s’est jamais concrétisé car le scénariste Valentin Chernykh considérait que l’essence de l’intrigue ne pourrait jamais être reproduite en dehors du syndicat.

5. Les grues sont passées (Dir. Mikhail Kalatozov, 1957)

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Les films du cinéma soviétique ont toujours montré un énorme intérêt pour les différents conflits de guerre dans la région. Non seulement pour explorer son héroïsme sur le champ de bataille, mais aussi les sacrifices de la perte et de la séparation. Rares sont ceux qui ont accompli la tâche avec la dextérité de The Cranes Passed, à propos d’une romance interrompue lorsque le jeune homme est recruté pour combattre au front pendant la Seconde Guerre mondiale. Ses bases lui ont permis d’explorer les regrets éprouvés par les Russes lors des attaques germaniques, notant en outre que cela a été fait d’un point de vue féminin inhabituel avec une brillante Tatiana Samoilova dans le rôle de star. Sa création quatre ans après la mort de Staline a été la clé de la résurgence de l’industrie locale, ainsi que pour remonter le moral d’un pays en transition politique difficile. C’était le premier et le seul film d’URSS à être reconnu par la Palme d’Or, alors que l’histoire le considère comme une pièce fondamentale vers le deuxième âge d’or du cinéma soviétique.

4. L’homme à la caméra (Dir. Dziga Vertov, 1929)

Le documentaire expérimental conçu par Dziga Vertov a été regardé avec suspicion dans ses premières années. Alors que le cinéaste souhaitait démontrer la puissance narrative et omniprésente de la caméra, les autorités soviétiques ont considéré que les images capturées ne faisaient que confirmer les dangers d’un cinéma mal exécuté qui pouvait être un redoutable distracteur de foule. Le temps a fait ses preuves en l’élevant parmi les films les plus transcendants non seulement du cinéma soviétique, mais de toute l’histoire du celluloïd grâce à un large éventail de techniques expérimentales qui ont été décisives pour l’évolution de l’art cinématographique. Cela inclut le ralenti, le gros plan extrême, l’animation en stop motion et les images inversées, pour n’en nommer que quelques-uns. Le Festival international du film de Toronto l’a classé parmi les 100 meilleurs films à voir absolument pour tous les cinéphiles, tandis qu’un sondage du magazine Sight & Sound du British Film Institute l’a nommé huitième meilleur film de tous les temps. Le cinéma contemporain ne serait pas le même sans lui.

3. Stalker (Dir. Andrei Tarkovsky, 1979)

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Aucune liste des meilleurs films du cinéma soviétique ne serait complète sans la présence d’Andrei Tarkovsky. Le réalisateur responsable de classiques comme Ivan’s Childhood (1962), Solaris (1972) et The Mirror (1975) atteint son apogée avec l’adaptation du roman Roadside Picnic écrit par les frères Strugatsky. Une histoire de science-fiction sur trois hommes qui entreprennent un voyage dans une région mystérieuse sous la promesse que le voyage exaucera le plus grand souhait de chacun, mais que dans les mains du cinéaste il devient une réflexion profonde sur la nature humaine. Les mérites du projet augmentent quand on se souvient que, non satisfait des défis d’un film aussi complexe dans ses aspects narratifs et symboliques, la production a été encore compliquée par des problèmes techniques avec le développement du film. Cela a forcé une reprise pratiquement complète qui, selon beaucoup de ceux impliqués dans la production, a laissé un film très différent de celui initialement envisagé. Nous ne saurons jamais quels étaient les premiers plans de Tarkovski pour cette histoire, mais il nous reste la consolation que le résultat que nous savons tous était mémorable.

2. Venez voir (Dir. Elem Klimov, 1985)

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Ce qui est généralement considéré comme le meilleur et le plus sanglant film de la Seconde Guerre mondiale n’a pas été réalisé aux États-Unis, en Allemagne ou au Japon, mais en Union soviétique. Même ainsi, peu sont même conscients de son existence, car ses origines limitaient sa diffusion à l’international. Le scénariste Ales Adamovich a utilisé sa propre expérience pour aborder l’histoire d’un garçon biélorusse dont la recherche d’un fusil perdu qui lui permet de rejoindre la résistance aboutit à l’anéantissement brutal de son peuple et à son immersion dans un conflit plein d’horreurs qu’il n’aurait jamais imaginé . Il s’est distingué par son hyper-réalisme extrême, qui comprenait l’utilisation d’uniformes originaux et de vraies armes qui ont contribué à créer une atmosphère dominée par la peur, l’incertitude et la désolation. Non moins significative est sa partie symbolique dirigée par un fusil qui représente le passage à la maturité dans un monde dominé par la violence et d’où il n’y a pas de retour en arrière. Enfin, les méthodes inhabituelles utilisées par le réalisateur Elem Klimov se démarquent, qui a tenté d’hypnotiser son jeune protagoniste pour éviter que le tournage ne lui laisse des conséquences psychologiques. Bien qu’il ne se prête pas au traitement, son professionnalisme et sa force émotionnelle lui ont permis de supporter le fardeau sans complications majeures.

1. Le cuirassé Potemkine (Dir. Sergei Eisenstein, 1925)

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Pure histoire du cinéma. Il n’y a pas de meilleur moyen de se référer à la dramatisation par Sergei Eisenstein de la mutinerie de 1905, dans laquelle des éléments du cuirassé russe Potemkine se sont soulevés contre leurs officiers. Le cinéaste a capturé un événement décisif pour le pays eurasien et qui finirait par devenir l’un des premiers pas vers la révolution russe de 1917. Plus important encore était la façon dont il l’a fait, avec le premier grand montage réalisé par le cinéma. Le résultat est un titre de premier ordre, nommé meilleur film de tous les temps à l’Exposition universelle de Bruxelles en 1958 et onzième meilleur de tous les temps par le British Film Institute, et dont les bases techniques et narratives en ont fait un objet. d’étude depuis des générations.

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Luis Miguel Cruz Un jour, je rejoindrai les X-Men, l’Alliance Rebelle ou le Night’s Watch. Fier membre de Cine PREMIERE depuis 2008.