En 1999, David Cronenberg a imaginé dans ExisteZ un lien violent, biologique et fatal entre la technologie et ceux qui en dépendent. Avec sa vision habituelle légèrement moqueuse pour les douleurs mystérieuses de notre temps, le réalisateur a posé des questions inconfortables sur la possibilité que la technologie balaie les limites du corps et violerait la nature humaine elle-même en échange d’une auto-satisfaction brutale, tout en la notion la réalité va et vient entre l’irréel et quelque chose de beaucoup plus dépravé. Le résultat est une version bizarre de la peur, de la dépendance et de l’évitement, enveloppée dans un regard hideux sur le désir et la peur.

Cette année, son fils Brandon semble élaborer une deuxième révision de la prémisse dans Possessor, une dystopie inquiétante dans laquelle, une fois de plus, le corps, les limites de la réalité et la capacité de l’esprit humain à lutter contre la frontière de ce qu’il considère comme réel se mêlent à une mise en scène sanglante et à un regard cryptique sur l’horreur . Pour Cronenberg, le besoin de trouver un sens – et peut-être un sens – aux pulsions les plus sombres de l’esprit a un sens énigmatique, plus lié à la rupture de l’identité qu’à des inconnues abstraites sur l’existence. Possesseur n’est pas un film qui explore des questions simples et, en fait, a un intérêt très marqué à démanteler l’idée d’organique avec la conscience, comme si les deux étaient un espace sans forme et, surtout, sans sens.

test du possesseur de sitges 2020 brandon cronenbergFoule privée

Il est évident que la référence la plus proche à l’argument est eXistenZ, avec laquelle il semble partager le même dialogue sur ce qui habite lorsque la dynamique entre le corps comme lieu de sécurité et l’esprit comme interprétation de la réalité est rompue. Mais, si son père décide de se plonger dans une recherche minutieuse de l’humain à travers des allégories dégoûtantes, le Possesseur passe directement au gore, avec scènes sanglantes parfois insupportables et cela, sans aucun doute, est si déconcertant qu’il éclipse le sous-texte philosophique du scénario. Est-ce une décision consciente? Dans Possessor, il y a une grande partie de la perception de la violence – brute et sans nuances – comme principale caractéristique humaine, ce qui donne au scénario un air exalté, brutal et angoissant qui finit par être même excessif vers son dernier tronçon.

Bien sûr, aucune des chansons que Possessor touche n’est originale: il y a beaucoup de Neuromancer de William Gibson dans une histoire dans laquelle la façon dont l’esprit se déploie, se duplique et; à la fin, il se dissout dans les stimuli et dans la possibilité que le virtuel soit tout. De l’agent dur Tasya Vos (Andrea Riseborough), qui fait partie d’une société secrète qui utilise des implants cérébraux pour créer un réseau de tueurs anonymes par le contrôle de l’autre, à la perception invisible du monde qui change et s’effondre du numérique , le film pourrait être la version tordue, plus sombre et plus fragmentée de Johnny Mnemonic sous-estimé de Robert Longo, ou même une histoire dans la matrice imaginée par les sœurs Wachowski.

Cependant, Brandon Cronenberg prend des décisions risquées et, au lieu de tomber dans les lieux communs, il opte pour le terrifiant dans sa version la plus directe, qui parfois compromet le rythme du film mais lui donne une vitalité brutale, qui échappe à toute similitude avec les univers auxquels il fait involontairement référence. Bien sûr, il s’agit d’un jeu de miroirs où la violence est invisible et d’origine: l’implant qui permet la possession est aussi une bombe à retardement de contrôle qui se termine par le meurtre de son porteur.

Critique du possesseur de sitges 2020 Brandon CronenbergFoule privée

Les lignes se croisent et se subdivisent, la violence est donc toujours le thème principal: Tasya est la meilleure dans son travail, mais aussi celle qui prend le plus de risques. Comme il habite le corps de l’hôte pendant plus longtemps, il est beaucoup plus susceptible de devoir lutter contre la conscience frelatée et piégée, de sorte que, petit à petit, une lente érosion se produit. L’agent devient alors la victime d’un cycle de plus en plus violent et accablant, sur lequel elle commence à perdre le contrôle et devient quelque chose de plus angoissant, viscéral et cruel.

Tout ce qui précède finit par exploser, lorsque Tasya prend le contrôle du corps de Colin (Christopher Abbot), un trafiquant de drogue dont l’esprit se défend avec une violence inhabituelle contre l’invasion de l’agent. La manière de Cronenberg de montrer l’urgence, l’angoisse et la brutalité de la confrontation invisible bewilders pour son bon travail et, en particulier, c’est un voyage à travers les horreurs de cet avenir à moyen terme dans lequel l’appropriation de qui nous sommes – quoi que cela signifie – est au cœur d’un débat hors de propos.

Le pouvoir et la domination l’emportent sur toute autre discussion analogue et c’est à ce moment que Brandon Cronenberg utilise ses meilleures ressources: il soulève des meurtres de cruauté scandaleux avec la commercialisation de données à des fins peu claires. Pendant que ses personnages se battent pour la survie de leur identité et la manière dont les lignes de données et de confidentialité – qui, d’ailleurs, n’existent pas – se transforment en quelque chose de beaucoup plus élaboré.

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Bien sûr, Cronenberg sait où il se dirige et au lieu de fournir des explications sur la façon dont Tasya et Colin se battent pour prendre le contrôle du corps de ce dernier, il leur échappe et utilise la photographie impeccable de Karim Hussain pour rendre le sentiment d’irréalité plus déroutant, écrasant et écrasant. Chaque élément mène à une catastrophe, le temps entrecoupé de quelque chose de plus tordu, alors que le sang coule dans toutes les directions et que les scènes de meurtre se multiplient. Tout à la fois et en séquences de plus en plus incompréhensibles et extravagantes.

Encore et encore, Brandon Cronenberg force ses acteurs à la double pression d’identité qui change et transforme: Riseborough et Abbot doivent jouer, non pas un seul personnage, mais les transitions entre eux, et le scénario leur donne une longue période de brillance dans des scènes dans lesquelles la lutte pour le pouvoir de la conscience – et quel concept c’est – est de plus en plus désespérée. Parfois, le script perd de la vitesse dans sa capacité à raconter des transpositions et des transitions, mais il y a toujours quelque chose de brillant dans la façon dont l’intrigue peut aller de scènes chaotiques de Colin se regardant comme la victime d’un prédateur inconnu à des images de meurtres aussi détaillées que dégoûtantes.

Dans une prémisse similaire, la grande finale n’implique probablement pas de réponses, et c’est le cas: peut-être que la plus grande force du Possesseur n’est pas de supposer que le dilemme du corps en tant que produit, de l’esprit en tant qu’espace de contrôle et de la vie, en tant que chance sans réelle importance, peut être résolue par des espoirs ratés. Au moment où les dernières scènes arrivent, ce thriller enivrant et déchirant il trouva son juste point entre la peur et cette grande question sur la suprématie du corps, transformant le point central de l’argumentation en un mystère anonyme. Un point d’équilibre entre le viscéral et quelque chose de plus profond qui fait allusion mais, peut-être, c’est juste un autre piège du script pour montrer son énorme capacité à secouer l’évidence.

L’article L’esprit, l’identité et la violence dans ‘Possesseur’, le film gagnant du Festival de Sitges 2020 a été publié dans Hipertextual.